Пока мы, люди, можем пользоваться руками, мы создаем искусство. От ранних наскальных рисунков до потолка Сикстинской капеллы человеческое художественное выражение может многое рассказать нам о жизни людей, которые его создали. Чтобы в полной мере оценить культурное, социальное и историческое значение различных произведений искусства, вам необходимо знать о широкой временной шкале истории искусства. В этой статье представлен обзор многих значительных эпох художественного творчества и исторических контекстов, из которых они возникли.
Эпохи искусства: с чего начать?
Пока человечество сознавало себя, оно создавало искусство, чтобы представить это я. Самые ранние из известных нам наскальных рисунков были созданы примерно 40 000 лет назад. Под скалами и в пещерах мы нашли картины и рисунки человеческой деятельности эпохи палеолита. Мы не можем точно знать причину, по которой эти ранние люди начали заниматься искусством. Возможно, живопись и рисование были способом записывать свой жизненный опыт, рассказывать истории маленьким детям или передавать мудрость от одного поколения к другому.
Хотя у нас есть эти изысканные образцы раннего художественного выражения, официальная история периодов искусства начинается только с романской эпохи. Официальные графики эпохи искусства не включают наскальные рисунки, скульптуры и другие произведения искусства каменного века или прекрасные фрески, созданные в Египте и на Крите примерно в 2000 году до нашей эры. Причина этого решения в том, что эти ранние эпохи художественного самовыражения были привязаны к относительно небольшому географическому пространству. Эпохи официального искусства, которые мы сегодня будем обсуждать, напротив, охватывают многие страны, часто всю Европу, а иногда Северную и Южную Америку.
Несмотря на отсутствие официального признания, эти самые ранние примеры человеческого художественного чутья вызывают множество интересных вопросов. Почему животные, изображенные на наскальных рисунках, гораздо более реалистичны и ярки, чем животные, изображенные в более поздние эпохи?
Краткий обзор временной шкалы периодов искусства
Как и во многих областях человеческой истории, невозможно точно разграничить разные периоды искусства. Даты, указанные в скобках ниже, являются приблизительными, основанными на развитии каждого движения в нескольких странах. Многие периоды искусства значительно пересекаются, а некоторые из более поздних эпох происходят одновременно. Некоторые эпохи длятся несколько тысяч лет, а другие менее десяти. Искусство — это непрерывный процесс исследования, в котором более поздние периоды вырастают из существующих.
Может показаться странным, что наше описание временной шкалы периода искусства закончилось 30 лет назад. Понятие художественной эпохи кажется неадекватным для охвата разнообразия художественных стилей, выросших с начала 21-го века. Некоторые искусствоведы считают, что традиционная концепция живописи умерла в нашу эпоху стремительного образа жизни. Мы не занимаем эту позицию. Вместо этого мы продолжаем делиться своим уникальным человеческим опытом с помощью искусства, как это делали пещерные люди, вне нашей современной системы классификации.
Всеобъемлющая хронология художественного движения
Пришло время немного глубже погрузиться в социальные, культурные и исторические контексты каждой из отдельных эпох искусства, которые мы представили выше. Вы увидите, сколько эпох переняли влияние предшествующих им эпох. Искусство, как и человеческое сознание, постоянно развивается. Также важно отметить, что эта временная шкала искусства представляет собой историю западного и преимущественно европейского искусства.
Романский период (1000-1300 гг.): обмен информацией через искусство
Историки искусства обычно считают эпоху романского искусства началом хронологии истории искусства. Романское искусство развивалось во время подъема христианства ок. 1000 г. н.э. В то время лишь небольшой процент европейского населения был грамотным. Служители христианской церкви, как правило, были частью этого меньшинства, и для распространения библейской вести им нужен был альтернативный метод.
Христианские предметы, истории, божества, святые и церемонии были исключительным предметом большинства романских картин. Романские картины, предназначенные для обучения масс ценностям и верованиям христианской церкви, должны были быть простыми и легко читаемыми.
В результате романские произведения искусства просты, со смелыми контурами и чистыми областями цвета. Романским картинам не хватает глубины перспективы, а изображения редко представляют собой естественные сцены. Романские картины могли принимать несколько различных форм, включая настенные росписи, мозаики, панно и книжные картины.
Из-за христианской цели романские картины почти всегда символичны. Относительная важность фигур на картинах показана их размером, при этом более важные фигуры кажутся намного больше. Вы можете видеть, что человеческие лица часто искажены, а истории, изображенные на этих картинах, имеют высокую эмоциональную ценность. Романские картины часто изображают мифологических существ, таких как драконы и ангелы, и почти всегда появляются в церквях.
На самом фундаментальном уровне картины романского периода служат цели распространения слова Библии и христианства. Название этой художественной эпохи происходит от круглых арок, используемых в римской архитектуре, часто встречающихся в церквях того времени.
Готическая эпоха (1100-1500): свобода и страх объединяются
Одна из самых известных эпох, готическое искусство выросло из романского периода во Франции и является выражением двух противоположных чувств эпохи. С одной стороны, люди переживали и праздновали новый уровень свободы мысли и религиозного понимания. С другой стороны, был страх, что миру придет конец. Вы можете ясно видеть выражение этих двух противоположных напряжений в искусстве готического периода.
Как и в романский период, христианство лежало в основе напряженности готической эпохи. По мере того как появилось больше свободы мысли и многие выступали против конформизма, сюжеты картин становились более разнообразными. Твердыня церкви начала рассеиваться.
Готические картины изображали сцены из реальной жизни человека, такие как работа в поле и охота. Фокус сместился с божественных существ и мистических существ, поскольку больше внимания уделялось тонкостям того, что значит быть человеком.
Человеческие фигуры привлекали гораздо больше внимания в готический период. Готические художники конкретизировали человеческие лица, поскольку они становились более индивидуальными, менее двухмерными и менее неодушевленными. Считается, что развитие трехмерной перспективы способствовало этому изменению. Художники также уделяли больше внимания вещам личной ценности, таким как одежда, которую они реалистично раскрашивали красивыми складками.
Многие историки считают, что отчасти причина, по которой предметы искусства стали более разнообразными в эпоху готики, была связана с увеличением площади поверхности для живописи в церквях. Готические церкви были более обширными, чем церкви романского периода, что, как считается, олицетворяет усиление чувства свободы в то время.
Наряду с вновь обретенной свободой художественного самовыражения существовал глубокий страх перед грядущим концом света. Предполагается, что это сопровождалось постепенным упадком веры в церковь, а это, в свою очередь, могло подстегнуть распространение искусства за пределы церкви. Фактически, к концу готической эпохи работы Иеронима фон Босха, Брейгеля и других были непригодны для размещения в церкви.
Мы не знаем многих отдельных художников, писавших в романский период, поскольку искусство заключалось не в том, кто его рисовал, а в том, какое послание он нес. Таким образом, уход от церкви также можно увидеть в огромном увеличении числа известных художников готического периода, в том числе Джотто ди Бондоне. Художественные школы начали появляться во Франции, Италии, Германии, Нидерландах и других частях Европы.
Эпоха Возрождения (1420-1520): пробуждение эпохи искусства, которой никогда не существовало
Эпоха Возрождения, возможно, одна из самых известных, в ней представлены такие художники, как Микеланджело и Леонардо да Винчи. Эта эпоха продолжала сосредотачиваться на отдельном человеке как на источнике вдохновения и находилась под влиянием искусства и философии древних римлян и греков. Ренессанс можно рассматривать как культурное возрождение.
Частью этого культурного возрождения стало возвращение внимания к естественному и реалистичному миру, в котором жили люди. Трехмерная перспектива стала еще более важной для искусства эпохи Возрождения, о чем точно свидетельствует статуя Давида Микеланджело. Эта статуя восходит к работам древних греков, поскольку она была создана сознательно, чтобы ее можно было увидеть со всех сторон. Статуи последних двух эпох были двумерными, предназначенными для просмотра только спереди.
Та же трехмерная перспектива перенесена в картины эпохи Возрождения. Фрески, изобретенные около 3000 лет назад, получили новую жизнь от художников эпохи Возрождения. Сцены стали более сложными, а изображение людей стало более тонким. Художники эпохи Возрождения изображали человеческие тела и лица в трех измерениях с упором на реализм. Краска, использовавшаяся в эпоху Возрождения, также представляла собой переход от темперных красок к масляным. Период Возрождения часто считается началом великих голландских пейзажей.
Маньеризм (1520-1600): окно в будущее китча
Конечно, этот заголовок отчасти шуточный. Не все искусство, созданное в эту эпоху, — это то, что мы сегодня понимаем как «китч». То, что мы сегодня понимаем под китчем, часто бывает искусственным, дешево сделанным и лишенным особого «классического» вкуса. Вместо этого причина, по которой мы описываем искусство этого периода как китч, связана с характерным для него относительным преувеличением. Благодаря вновь обретенной свободе человеческого самовыражения в эпоху Возрождения художники начали исследовать свой собственный уникальный и индивидуальный художественный стиль или манеру.
Сам Микеланджело, на самом деле, не свободен от преувеличения, которое отличает эту эпоху. Некоторые искусствоведы не считают некоторые из его более поздних картин произведениями эпохи Возрождения. Выражение чувств и человеческих жестов, даже предметов одежды, в маньеристических картинах намеренно преувеличено.
Небольшой S-образный изгиб человеческого тела, характерный для стиля Ренессанс, трансформируется в неестественный изгиб тела. Это первый европейский стиль, который привлек художников со всей Европы на свою родину в Италию.
Эпоха барокко (1590-1760): прославление власти и обман зрения
Развитие искусства, прославляющего жизнь людей над силой божественного, продолжалось и в эпоху барокко. Короли, принцы и даже папы стали предпочитать, чтобы через искусство прославлялась их собственная власть и престиж, а не власть Бога. Чрезмерное преувеличение, которое классифицировало маньеризм, продолжалось и в период барокко, когда сцены картин становились все более нереалистичными и великолепными.
Картины в стиле барокко часто изображали сцены, в которых короли возносились на небеса, смешивались с ангелами и приближались к божественности и силе Бога. Здесь мы действительно можем видеть прогресс человеческого самомнения, и хотя тема не уходит полностью от религиозной символики, человек все больше становится центральной силой в композициях.
Новые материалы, которые прославляют богатство и статус, такие как золото и мрамор, становятся ценными материалами для скульптур. Противоположности светлого и темного, теплых и холодных цветов, символы добра и зла подчеркнуты сверх того, что происходит в природе. Художественных академий стало больше, поскольку искусство стало способом продемонстрировать свое богатство, власть и статус.
Эпоха искусства рококо (1725-1780): легкость и воздушность, французская фантазия
Картины эпохи рококо типичны для французской аристократии того времени. Название происходит от французского слова rocaille, что означает «оболочка». Твердые формы, характерные для периода барокко, смягчились в свет, воздух и желание. Картины этой эпохи были уже не сильными и мощными, а легкими и игривыми.
Цвета были светлее и ярче, в некоторых случаях почти прозрачными. Многие произведения искусства этого периода игнорировали религиозные темы, хотя некоторые художники, такие как Тьеполо, действительно создавали фрески во многих церквях.
Как и отношение французской аристократии того времени, искусство периода рококо полностью удалено от социальной реальности. Пастушья идиллия стала темой этого периода, представляя жизнь легкой и беззаботной, без ограничений экономических или социальных трудностей.
Классицизм (1770-1840): возвращение к классическим временам
Классицизм, как и эпоха рококо, начался во Франции примерно в 1770 году. Однако, в отличие от эпохи рококо, классицизм вернулся к более ранним, более серьезным стилям художественного выражения. Подобно эпохе Возрождения, Classisim черпала вдохновение в классическом римском и греческом искусстве.
Искусство, созданное в эпоху классицизма, вернулось к строгим формам, двухмерным цветам, человеческим фигурам. Тон этих картин был, несомненно, строгим. Цвета потеряли свою символику. Искусство, созданное в эту эпоху, использовалось на международном уровне для привития чувства патриотизма людям каждой нации. Части классицизма включают Луи-Сиз, Империю и Бидермейер.
Романтизм (1790-1850): Побег от суровости всего этого
По датам видно, что эта художественная эпоха пришлась примерно на то же время, что и классицизм. Романтизм часто рассматривается как эмоционально заряженная реакция на суровую природу классицизма. В отличие от строгого и реалистического характера эпохи классицизма картины эпохи романтизма были гораздо более сентиментальны.
Исследование нематериального; эмоции и подсознание заняли центральное место. Примерно в это же время люди начали ходить в походы, пытаясь исследовать мир природы. Однако они намеревались открыть не истинную реальность природного мира, а то, как он заставлял их чувствовать.
В искусстве эпохи романтизма нет ощутимого или точно определяемого стиля. Английские и французские художники, как правило, сосредотачивались на эффектах теней и света, в то время как искусство, созданное немецкими художниками, имело для них большую серьезность мысли. Художников-романтиков часто критиковали и даже высмеивали за их интерпретацию окружающего мира.
Реализм (1850-1925): объективность выше субъективности
Как эпоха романтизма была реакционным движением по отношению к предшествующему периоду классицизма, так и реализм является реакцией на романтизм. В отличие от прекрасного и глубоко эмоционального содержания романтических картин, художники-реалисты представляли и добро и прекрасное, безобразное и злое. Реальность мира представлена художниками-реалистами без прикрас.
Эти художники пытаются показать мир, людей, природу и животных такими, какие они есть на самом деле. Акцент делается на «обязанности искусства быть правдой», как выразился Гюстав Курбе.
Как и романтизм, реализм пользовался популярностью не у всех. Картины не особенно радуют глаз, и некоторые критики отмечали, что, несмотря на заявления художника о реализме, эротические сцены каким-то образом упускают из виду настоящий эротизм. Гёте критикует реализм, говоря, что искусство должно быть идеальным, а не реалистическим. Шиллер тоже называет реализм «подлым», указывая на резкость, которую изображают многие картины.
Импрессионизм (1850-1895): предвестник эры современного искусства
Историки часто изображают движение импрессионистов как начало современной эпохи. Говорят, что искусство импрессионистов положило конец классической музыке и другим классическим формам искусства. Импрессионизм также, пожалуй, после кубизма, один из самых легко узнаваемых художественных периодов. Благодаря таким художникам, как Клод Моне и Винсент ван Гоф, импрессионизм оторвался от плавных мазков и областей сплошного цвета, которые характеризовали многие периоды искусства до него.
Изначально слово «импрессионизм» было как ругательство в мире искусства, а критики считали, что эти художники не рисовали техникой, а просто размазывали краску по холсту. Мазки действительно значительно отличались от тех, что были до них, иногда становясь яростно дикими. Четкие формы и линии исчезли в вихре цветов. Были собраны отдельные точки совершенно новых цветов, особенно в пуантилизмной разновидности картин импрессионистов. Сюжеты картин импрессионистов часто можно было узнать только на расстоянии.
Существенным изменением, произошедшим в эпоху импрессионистов, стало то, что живопись стала происходить «на пленэре» или снаружи. Большая часть способности художника-импрессиониста улавливать сложные и постоянно меняющиеся цвета мира природы была результатом этого сдвига.
Художники-импрессионисты также стали отходить от желания читать лекции и учить, предпочитая создавать искусство ради искусства. Галереи и международные выставки становились все более важными.
Символизм (1890-1920): всегда больше, чем кажется на первый взгляд
В этот период во Франции началась эпоха символизма. Художники стали озабочены представлением чувств и мыслей через предметы. Излюбленными темами движения символизма были смерть, болезнь, грех и страсть. Формы были в основном четкими, что, по мнению искусствоведов, предвосхищало эпоху модерна.
Стиль модерн (1890-1910): Чистое золото Густава Климта
Хотя Густав Климт ни в коем случае не был самым важным художником в движении модерн, он является одним из самых известных. Его стиль прекрасно отражает движение модерн с мягкими изогнутыми линиями, большим количеством цветов и стилистической характеристикой человеческих фигур. Во многих странах этот стиль известен как стиль сецессион.
Искусство, созданное в период модерна, включает в себя много симметрии и характеризуется игривостью и молодостью. В стиле модерн много политического содержания, хотя многие критики игнорируют это и противопоставляют ему декоративные аспекты. Через искусство периода модерн художники пытались вернуть природу в промышленные города.
Экспрессионизм (1890-1914): придание политической остроты спорам
В эпоху искусства экспрессионизма мы снова видим возрождение важности выражения субъективных чувств. Художников этого движения не интересовал натурализм или то, как вещи выглядят снаружи. В результате в некоторых экспрессионистских картинах присутствует некий оттенок агрессии, часто архаичных и слегка диких.
Экспрессионизм зародился в Германии и призван противопоставить импрессионизму. К началу Первой мировой войны экспрессионистские картины приобрели тревожную интенсивность. Предназначенный для критики власти и установившегося общественного порядка, экспрессионизм распространял эти политические идеи с помощью красок. Искусство начало становиться политическим.
Кубизм (1906-1914): разбивая вещи на части и снова собирая их вместе
Начиная с двух художников, Пабло Пикассо и Жоржа Брака, кубистское движение было основано на фрагментации, геометрических формах и множественных перспективах. Пространственные плоскости предметов повседневного обихода были разбиты на различные геометрические сегменты и собраны вместе таким образом, чтобы объект представлялся одновременно с нескольких сторон.
Кубизм был отказом от всех правил традиционной западной живописи и оказал сильное влияние на последующие стили искусства.
Футуризм (1909-1945): Художественный анархизм
Футуризм — это не столько художественный стиль, сколько художественно вдохновленное политическое движение. Основанная Манифестом футуристов Томмазо Маринетти , отвергавшим социальную организацию и христианскую мораль, эпоха футуризма была полна хаоса, враждебности, агрессии и гнева. Хотя Маринетти сам не был художником, живопись стала самой заметной формой искусства в футуристическом движении.
Эти художники яростно отвергали правила классической живописи, считая подозрительным и опасным все, что передавалось из поколения в поколение (верования, традиции, религия). Воинственный характер футуристического движения привел к тому, что многие люди считают его слишком близким к фашизму.
Дадаизм (1912–1920): истинная реальность того, что жизнь — ерунда
Дада означает очень многое и совсем ничего. Писатель Хьюго Болл обнаружил, что это маленькое слово имеет несколько разных значений в разных языках и в то же время, как слово, оно вообще ничего не значит. Движение дадаизма основано на концепциях нелогичности и провокации и рассматривалось не только как художественное, но и как антивоенное движение.
Алогичность существующих правил, норм, традиций и ценностей была поставлена под сомнение дадаистским движением. Художественное движение охватило несколько форм искусства, включая письмо, поэзию, танец и исполнительское искусство. Часть движения заключалась в том, чтобы поставить под сомнение то, что можно было бы классифицировать как «искусство».
Дадаизм представляет собой начало искусства действия, в котором живопись становится больше, чем просто портретом реальности, а скорее объединением социальной, культурной и субъективной частей человеческого бытия.
Сюрреализм (1920-1930): вещи становятся еще более странными
Как будто чистая алогичная природа дадаистского движения не была достаточно диковинной, сюрреалисты считали мир грез источником всей истины. Одним из самых известных художников-сюрреалистов является Сальвадор Дали, и вы наверняка знаете его картину «Тающие часы» (1954).
Сюрреализм по своей сути психоаналитический, и многие художники-сюрреалисты рисовали прямо из своих снов. Иногда имея дело с неудобными концепциями, скрытыми желаниями и табу, сюрреализм был прямой критикой укоренившихся идей и убеждений буржуазии. Как вы можете себе представить, этот стиль искусства не был популярен, когда он зародился, но он сильно повлиял на мир современного искусства.
Новая объективность (1925-1965): холодная и техническая
Поскольку сюрреалисты пытались отойти от мира физических, конкретных и видимых объектов, движение «Новая объективность» обратилось к этим идеям. Многие темы нового объективного искусства были социальной критикой. Буря войны заставила многих людей искать какой-то порядок, за который можно было бы ухватиться, и это можно ясно увидеть в искусстве Новой Объективности.
Образы, представленные в New Objectivity, часто были холодными, безэмоциональными и техническими, а любимыми предметами были радио и лампочки. Как и в случае со многими современными движениями в искусстве, у движения «Новая объективность» было несколько разных направлений.
Абстрактный экспрессионизм (1948-1962): отход от Европы
Считается, что абстрактный экспрессионизм — первое направление в искусстве, зародившееся за пределами Европы. Возникший в Северной Америке абстрактный экспрессионизм сосредоточился на живописи цветового поля и картинах действия. Вместо того, чтобы использовать холст и кисть, на землю выливали ведра с краской, а художники использовали свои пальцы для создания изображений.
С такими известными художниками, как Марк Тоби и Джексон Поллок, это художественное движение отличалось от всех, что были до него. Нанесение краски иногда было настолько толстым, что готовое произведение принимало форму, не похожую ни на одну из предшествующих картин. Абстрактный экспрессионизм распространился по всей Европе. Как и в случае со всем искусством, всегда есть критики, а консервативные американцы во время холодной войны называли его «неамериканским».
Поп-арт (1955–1969): Искусство — это все
Для художников поп-арта все на свете было искусством. От рекламы до жестяных банок, зубной пасты и туалетов — все это искусство. Поп-арт развивался одновременно в США и Англии и характеризуется однородными цветовыми блоками, четкими линиями и контурами. Живопись и графика испытали влияние фотореализма и серийной печати. Одним из самых известных художников английской поп музыки является Дэвид Хокни, хотя лишь немногие из его прижизненных картин относятся к этому движению.
Неоэкспрессионизм (1980-1989): современное искусство
Начиная с 1980-х годов неоэкспрессионизм возник с широкоформатными репрезентативными и жизнеутверждающими картинами. Берлин был центром этого нового движения, и в проектах обычно изображались города и жизнь большого города. Название неоэкспрессионизм произошло от фовизма, и хотя художники в Берлине распались в 1989 году, некоторые художники продолжали рисовать в этом стиле в Нью-Йорке.
Искусство является фундаментальной частью того, что значит быть человеком. Многие из проблем и радостей, которые мы переживаем, можно точно передать только посредством художественного выражения. Мы надеемся, что этот краткий обзор временной шкалы периодов искусства помог вам лучше понять контексты, окружающие некоторые из самых известных произведений искусства, созданных человечеством.
