В конце XIX в. ювелирное искусство украшений с бриллиантами переживает упадок. В моду входит бижутерия. В этой моде искусство Японии соединилось с небывалым интересом европейских художников к достижениям мастеров западного Средневековья, умело применявших растительные мотивы в декоративном убранстве. Художник, ювелир, график Рене Лалик был наиболее талантливым представителем этой натуралистской моды. Образы природы — лирические пейзажи, мотивы виноградной лозы, хризантем, жасмина — художник использовал во всех своих работах. Беспокойные насекомые словно жужжат с поверхности его ювелирных украшений. Осы, стрекозы, кузнечики пересекаются в них с летящими ласточками и ночными летучими мышами. Змея, с ее ползущими, прямо-таки модерновыми, движениями и особым смыслом в мифологии, занимает в его работах особое место.
После Всемирной выставки в Париже 1900 г. внимание Р. Лалика, уже признанного и заслуженного мэтра декоративного искусства Франции, привлекли изделия из художественного стекла. Эмиль Галле, старше Лалика на 14 лет, писал о нем, что тот «привнес в ювелирное искусство обновление и, осмелюсь сказать, окончательно заложил основу образа современного украшения».
Живопись и скульптура не так сильно, как архитектура и прикладное искусство, были затронуты стилем Модерн. Вскоре союз с символизмом, который давал содержание стилю в конце XIX в., распадается. Лишь немногие мастера начала XX в., следуя собственной фантазии, создают свой мир причудливых образов стиля.
Среди них — австрийский художник Густав Климт. В Климте венская сексуальность нашла своего величайшего поэта. Ни один художник его уровня не был столь открыто привержен воспеванию Эроса, и прежде всего женщины — музы, вампира, сексуальной приманки и символа упоения. Задолго до экспрессионизма и сюрреализма Климт решился на откровенную демонстрацию сексуальности в искусстве, сделав ее лейтмотивом своего творчества. Томная, экзальтированная атмосфера фрейдистской Вены, казалось, отчетливо стимулировала художника поставить женщину и эротику в центр произведет.
Искусство Климта словно состоит из борьбы противоположных импульсов — чувственного, исключительно натуралистического изображения человеческого тела и едва ли не маниакальной жажды к заполнению холста сияющими загадочными орнаментами. Это борьба чувствуется даже в его портретах светских женщин и в великолепных, к сожалению, недооцененных пейзажах.
В наиболее прославленных работах Климта, таких как «Поцелуй», чувство и декоративное богатство соединяются в непревзойденном сплаве. «Поцелуй» считается апогеем «золотого» периода художника. В нем сияющие геометрические орнаменты, кажется, готовы поглотить человеческие фигуры. Обнявшаяся пара, облаченная в мозаичные одежды, изображена на щедром абстрактном фоне из золота и серебра. Напряженность атмосферы усиливается за счет глубокого контраста между натуралистическими и декоративными деталями. Реалистически написанные лица, руки и ноги влюбленных окружены плоскостями с абстрактным рисунком, И этот рисунок соответствует фактуре ткани и цветам.
Шедевр Климта можно рассматривать не только как картину, но и как произведение прикладного искусства. Подобный подход отвечал идеологии венского Сецессиона — отколовшейся от официального искусства группы художников, желавших создавать свои работы в более экспериментальном виде. Сецессион проповедовал универсальность искусства и стирание границ между его различными видами, родами и жанрами, а в конечном счете — между искусством «чистым » и «функциональным».
Ранние скандальные работы художника делили его аудиторию на две неравные части: большую — яростных противников; и небольшую — единомышленников и поклонников. «Поцелуй», ставший эмблемой венского Сецессиона, получив безоговорочное признание, на время примирил и тех и других. Завораживающее золотое сияние, притушенный эротизм (на картине открыты лишь лица, руки и ноги героев) и очевидная целомудренность изображения вызвали восторг публики, в том числе консервативной и пуританской.
Сейчас женские образы Г. Климта и его золотой завиток можно увидеть везде — на керамических вазах и блюдах, на мебели и настенных гобеленах. И получается, что сто лет тому назад художник писал для нашего времени.
Однако главная идея стиля Модерн о соединении художественного творчества и производства бытовых изделий заключала в себе внутреннюю неустойчивость. На практике резко разделяются дорогостоящие изделия и дешевые подделки, где штамповка и цветное стекло имитируют кованый металл и драгоценные камни. Одни становятся принадлежностью элитарного круга, другие — «массовой культурой», по машинное производство вызывает к жизни новый тип художественного творчества — дизайн, конструирование массовых изделий, наделенных стандартным уровнем качества. Эта рациональная эстетика в корне отрицает хрупкую декоративность стилистики Модерна. Постепенно эклектичный и элитарный стиль Ар-нуво стал вытесняться стилем Ар-деко (Арт-деко), который не опускался до изготовления дешевых подделок и массового производства.
